PROPUESTA ARTÍSTICA:
“ELABORACIÓN DE UN MURAL EN ALTO
RELIEVE Y CUADROS DE PINTURA, SOBRE LA CREACIÓN DEL HOMBRE”.
INDICE
PORTADA
PROPUESTA ARTISTICA
APROBACIONES
DEDICATORIA
AGRADECIMIENTO
CAPITULO I
MARCO
CONTEXTUAL
PLANTEAMIENTO
DEL PROBLEMA
ANTECEDENTES
SITUACIÓN
PROBLEMÁTICA ACTUAL
FORMULACIÓN
DEL PROBLEMA
OBJETIVO
GENERAL
OBJETIVOS
ESPECIFICOS
PREGUNTAS
DIRECTRICES
JUSTIFICACIÓN
CAPITULO
II
MARCO
TEÓRICO
ESCULTURA
DEFINICIONES
HISTORIA
GRANDES REPRESENTANTES
TECNICAS
MATERIALES
PINTURA
INTRODUCCION
DEFINICION
HISTORIA
GRANDES
REPRESENTANTES
TECNICAS
TECNICA DEL OLEO
TECNICA DEL
ACRILICO
TECNICA DE LA
AGUADA
MATERIALES
HERRAMIENTAS
CREACION DEL
HOMBRE
CAPITULO III
METODOLOGÍA
METODOLOGÍA
DE TRABAJO
FASE
DE DIAGNOSTICO
RECURSOS
RECURSOS HUMANOS
RECURSOS MATERIALES
RECURSOS ECONÓMICOS
ENCUESTA
TABULACIÓN
DE LA ENCUESTA
ANALISIS
Y DISCUSIÓN DE RESULTADOS
 |
PLANTEAMIENTO
DEL PROBLEMA
ANTECEDENTES
El Instituto Superior de Artes Plásticas “Daniel Reyes” es un ente que
forma artistas plásticos desde 1944, año en el que fue creado por iniciativa
del Padre MIGUEL ANGEL ROJAS, específicamente un 6 de marzo de 1944 siendo
Presidente de la República el Dr. Carlos Arroyo del Río, expide el decreto de
creación del Liceo Artístico Daniel Reyes, bajo la responsabilidad de su primer
Rector el señor Luís Gonzalo Cornejo con 41 estudiantes y el 14 de mayo de 1944
se realiza una solemne inauguración. con el nombre de quién muchos años atrás
había formado su taller Don “ Daniel Reyes” pionero de éste movimiento artístico en esta
parroquia; su creación, tenía la
finalidad saciar en los jóvenes, la sed de crear y perfeccionar las vocaciones
artísticas, mediante una formación oficial
y verdaderamente adecuada, donde se cultive una mente sensible e imaginativa; desde entonces el arte nació,
creció, floreció y fructificó y así, el Liceo cayó en un pueblo agradecido, que
fue en busca de nuevos temas y estilos,
asomando una diáfana rivalidad entre estudiantes y artesanos; esto
permitió que la institución emerja con luz propia. El tiempo avanza y la trayectoria de la institución, tiene
bordes de pasión que impide el desvío de
un compromiso histórico y social con lo nacional para romper las fronteras
hacia lo Internacional.
EVOLUCIÓN
Sesenta y siete años han transcurrido desde esta
histórica fecha, en este lapso la institución
ha tenido algunos cambios desde su concepción original, así:
·
En 1944 nace el Liceo Artístico “Daniel Reyes”.
·
En 1955 mediante decreto se dictamina que el establecimiento
tendrá una sola etapa de estudios con 6 años de duración y al final conferirá el Título de profesor en la respectiva
especialización, cubriendo así la necesidad de Docentes en artes Plásticas para
todo el País.
·
En 1976 se separa el ciclo Básico naciendo así el colegio
“Víctor Mideros”. Y en el Daniel Reyes se crea el ciclo Superior con dos años
de Post bachillerato.
·
En 1979 se suprime el Post Bachillerato y se crea el Ciclo Superior docente.
·
En 1980 se anexa el ciclo Básico Nocturno “San Antonio”.
·
En 1985 se crea el Ciclo Diversificado de la Sección
Nocturna.
·
El 23 de octubre del 2000 el instituto pasa a depender del
CONESUP.
·
Y en septiembre del
2003 se le acredita el funcionamiento como INSTITUTO SUPERIOR TECNOLÓGICO DE ARTES
PLÁSTICAS.
·
En la actualidad está conformada de la siguiente manera.
NIVELES:
EDUCACIÓN BÁSICA
BACHILLERATO EN ARTES PLÁSTICAS:
ARTE GRÁFICO- CERÁMICA
PINTURA- ESCULTURA
DISEÑO GRAFICO (Nocturno)
TÉCNICOS Y TECNÓLOGOS DOCENTES EN ARTES PLÁSTICAS; MENCIONES:
ARTE
GRÁFICO - CERÁMICA
PINTURA -
ESCULTURA
SITUACIÓN PROBLEMÁTICA ACTUAL
En el Instituto Superior de Artes Plásticas “Daniel
Reyes” a pesar de existir múltiples
obras de artistas que han salido del mismo, hace falta consolidar una imagen
que cause impacto artístico en la sociedad.
También existe despreocupación por parte de las
autoridades correspondientes en que los estudiantes del tecnológico tengan
buenas experiencias académicas, para que no se enseñe la misma rutina de
siempre con profesores nuevos que tienen poca experiencia en arte y no hay
innovación e investigación, por lo tanto hay poco compromiso con el arte por
muchos de los que conformamos el Daniel Reyes.
Personalmente en el poco tiempo que tengo en esta
institución he visto que a más de
existir espacios vacíos y obras artísticas archivadas existe poca motivación
para ubicarles en lugares adecuados, por ejemplo en la pared lateral del taller
de escultura diagonal al bar, complementando con el mural existente en alto
relieve y los estudiantes de la especialidad de pintura y escultura deberíamos
trabajar en el proyecto de realizar murales, esculturas y cuadros pictóricos
para dar realce al Instituto “Daniel Reyes”; dentro de esto existen muchos
temas de impacto que hacen falta ser
esculpidos y pintados, los cuales
se encuentran guardados en el corazón y en el pensamiento del artista.
Con esto queremos decir que nos den un espacio y
apoyo para trabajar y poder demostrar lo que queremos hacer por nuestra
Institución Educativa, mejorando así internamente las partes más visibles de la
entrada de nuestro querido instituto.
FORMULACIÓN DEL PROBLEMA
Falta esculturas y murales que evidencien el
talento, las habilidades, las destrezas y la calidad de artistas que se forman
dentro de éste prestigioso Instituto de Artes Plásticas.
OBJETIVOS
OBJETIVO
GENERAL.
Elaborar
la Propuesta Artística sobre la “Creación del Hombre” mediante el análisis del
sustento teórico de la Técnica de Alto Relieve y Óleo con la finalidad de
mejorar la presentación del ingreso al Instituto.
OBJETIVOS ESPECÍFICOS.
·
Diagnosticar las
necesidades de mejorar el ingreso al instituto.
·
Determinar las
necesidades y propuesta artística.
·
Diseñar la
propuesta del mural en Alto Relieve.
·
Elaborar el
mural en la pared lateral del taller de escultura y mejorar el ingreso a la
institución a través de un impacto artístico con la temática “La Creación del
Hombre”.
·
Socializar
con autoridades, profesores y estudiantes del Instituto.
PREGUNTAS DIRECTRICES
·
¿Cómo conseguir
información de obras de arte realizadas por otros artistas que estén enfocadas
en la misma temática?
·
¿Cómo obtener los
elementos necesarios y confiables para realizar las obras?
·
¿Para qué diseñar
un cronograma de actividades relacionadas con los avances de las obras?
JUSTIFICACIÓN
Este
anteproyecto, es de conformidad con la Ley y Reglamento de Educación Superior,
previo al egreso de la Institución. Como se menciona anteriormente, hace falta
consolidar la imagen del Instituto frente a la sociedad, de este modo ponerle
al “Daniel Reyes” en el sitial que le
corresponde, al ser un ente importante a nivel nacional en la formación de
artistas plásticos.
Desde
el punto de vista artístico la Propuesta es muy importante, puesto que al
elaborar el Alto Relieve de “La Creación del Hombre”, permite al autor tener más conocimiento de la
técnica, y además por medio de un sustento teórico, sobre las corrientes
artísticas y los grandes representantes de la época en este ámbito. De este
modo permite que las personas que estudiamos arte afiancemos nuestros
conocimientos de una manera más cercana a la realidad, para ser grandes
profesionales en el futuro.
La Propuesta Artística contiene
elementos que son vitales para la imagen
y realce del Instituto; por medio de la temática y técnica se busca aportar al
engrandecimiento y embellecimiento de la
institución, y así hacer de ella un símbolo del Arte en el Ecuador.
 |
CAPITULO II
PINTURA
DEFINICIONES.-
“Es el arte de la representación gráfica utilizando
medios estéticos”. Wikipedia.org, Enciclopedia libre.
“Es una de
las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las seis Bellas Artes”. Wikipedia.org,
Enciclopedia libre.
“Es una
categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas
hechas sobre superficies”. Arnold Hauser.
“Una pintura es el soporte pintado,
sea un muro, un cuadro, o una lámina”. Gombrich, Historia del arte (2002).
Para el
autor: “Es la manifestación de los sentimientos y emociones encontrados dentro
de un contexto social”.
HISTORIA DE LA PINTURA
La historia
de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea, e incluye todas las representaciones realizadas con
las diferentes técnicas y cambios, que coincide con la historia del arte en su
contexto histórico y cultural.
Las pinturas rupestres más
antiguas conocidas se encuentran en la Cueva de Chauvet en Francia,
fechada por algunos historiadores de unos 32.000 años, fueron realizadas con ocre de arcilla, rojo de óxido de hierro y negro de dióxido
de manganeso . También
cabe destacar las cuevas de Lascaux y Altamira. Se
encuentran dibujados rinocerontes, leones, búfalos, mamuts, caballos o seres
humanos a menudo en aptitud de caza.
Las imágenes
que se observan en las paredes de las tumbas egipcias de hace unos 5.000 años
son escenas de la vida cotidiana y mitológicas con los rasgos característicos
de esquemas de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social.
En la Antigua Roma era normal
decorar los muros de las casas y palacios principales y entre las mejores
conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano. En la
época paleocristiana se
decoraron las catacumbas con escenas
del Nuevo Testamento y con la representación de Jesús como el
«Buen Pastor», eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar al
espectador, este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla. La pintura románica se desarrolla entre los siglos XII y XIII, siendo las
zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña, la mayoría
de las veces eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de
las iglesias con representaciones del Pantocrátor, la Virgen María y la vida
de santos. En pintura gótica además de
los temas religiosos se representan temas laicos principalmente en Francia e Italia, donde destacó la figura el pintor Giotto.
En el renacimiento tuvo la
pintura una gran influencia clásica, se desarrolló la perspectiva lineal y el
conocimiento de la anatomía humana para su
aplicación en la pintura, también en esta época apareció la técnica del óleo. Fue una
época de grandes pintores entre los que se destacaron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Sanzio y Tiziano.
Miguel Ángel
realizó una de las más grandes obras pictóricas los frescos de la Capilla Sixtina. El arte
religioso auténtico con el que quiere contrarrestar la amenaza del protestantismo, y para
esta empresa las convenciones artificiales de los manieristas, que habían
dominado el arte durante casi un siglo, ya no parecían adecuadas, las dos
características más importantes del manierismo eran el rechazo de las normas y
la libertad en la composición, en los colores y en las formas, la pintura
barroca se caracteriza por el dinamismo de sus composiciones; se distinguieron
entre otros Velázquez, Rubens y Rembrandt. En la
primera mitad del siglo XVIII se impuso el rococó, más alegre
y festivo que el barroco. Tuvo especial importancia en Francia y Alemania.
El romanticismo de
principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos, la
pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen
realista; el impresionismo, con Manet como precursor, es un estilo de
pinceladas sueltas y explotación de
colores que busca reconstruir un instante percibido, una impresión, sin
interesarse por los detalles concretos.[5]
El inicio
del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas: el Fauvismo, que
rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos; el Expresionismo, que
mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad; el Cubismo con Picasso, con la
descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de vista
bidimensionales; y la pintura abstracta, heredera
del cubismo. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre los
años 1940-1950, el Pop art llegó un
poco después, con un conocido exponente en Andy Warhol. El minimalismo se
caracteriza por la búsqueda de la máxima expresión con los mínimos recursos
estéticos. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen
realizando en una amplia variedad de estilos y gran estética.
Retrato
Dentro de la
jerarquía de géneros, el retrato tiene una
ubicación ambigua e intermedia, por un lado, representa a una persona hecha a
semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar
la vanidad de una persona.
Históricamente, se ha representado los ricos y poderosos. Pero con el tiempo,
se difundió, entre la clase media, el encargo de retratos de sus familias.
Cuando el artista se retrata a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrandt exploró en este sentido con sus más de sesenta
autorretratos. El artista en general intenta un retrato representativo, en la
técnica del óleo fue Jean Van Eyck uno de los
primeros que lo impuso. Durante el renacimiento,
representaron el estatus y éxito personal del retratado, sobresalieron Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Durero.
TECNICAS
Las técnicas
de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos en el
soporte a pintar. En general, y en las técnicas a continuación expuestas, si
los pigmentos no son solubles al aglutinante permanecen dispersos en él.
Óleo
En arte se
conoce como óleo a los aceites
que se usan para combinar con otras sustancias y obtener así un producto idóneo
para la pintura y como extensión, se fueron llamando óleos a la misma
pintura en sí, el vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la trementina. La pintura al óleo se hace
básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado en la viscosidad adecuada
con algún aceite vegetal. Estos aceites se secan más lentamente que otros, no
por evaporación sino por oxidación. Se forman
capas de pigmento que se incrustan en la base y que, si se controla
cuidadosamente los tiempos de secado, se fijarán correctamente en las siguientes
capas de pigmento. Este proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a
los colores del pigmento seco, y el artista puede variar las proporciones de
aceite y disolventes, como la trementina, para que la superficie pintada
muestre toda una gama de calidades, opaca o transparente, mate o brillante.
Por esta y
por otras razones, el aceite puede considerarse como el medio más flexible.
Usado de una manera conveniente, la pintura al óleo cambia muy poco de color
durante el secado aunque, a largo plazo, tiende a amarillear ligeramente. Su
capacidad de soportar capas sucesivas, permite al artista desarrollar un
concepto pictórico por etapas y la lentitud de secado le permite retirar
pintura y repasar zonas enteras.
El uso del
óleo se conoce desde la modernidad y estaba ya extendido entre los artistas de
la Edad Media sobre todo
combinándolo con la pintura al temple o al fresco. Con esta mezcla retocaban las
obras realizadas en yeso y
conseguían así un secado más rápido. Con el avance y las investigaciones de la alquimia se fueron
inventando mezclas favorables para los resultados de la pintura. El aceite que
más se empleaba era el de linaza que solía
mezclarse con los pigmentos de minerales que son los que proporcionan el
colorido, pero no era el único y cada artista en su taller tenía su propia
fórmula que guardaba muy en secreto.
Esta pintura
obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras,
el poder realizar su obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de
lo que ocurría en la pintura al temple, o al fresco), el poder retocar la obra
día a día, variar la composición, los colores, etc.
La tradición
sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que inventaron la pintura al
óleo. Esta afirmación, falsa, se basa en que, efectivamente fueron ellos, sobre
todo Jean, los que explotaron las innumerables posibilidades de esta técnica,
infrautilizada hasta entonces.
Acuarela
La acuarela es una
pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores
utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces
dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se
compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos
se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez
y soltura en la composición que se está realizando. Requiere del artista la
seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito
consiste en el frescor y la transparencia de los colores. Sin embargo existe la
acuarela híper realista que va en contra de este postulado y que utiliza
barnices para no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo
que se consigue un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de
la acuarela clásica.
Témpera
La témpera o gouache
es un medio similar a la acuarela, pero tiene una carga de talco industrial o blanco de zinc. Este
añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no
translúcido que lo diferencia de la acuarela, permitiéndole aplicar tonalidades
claras sobre una oscura, procedimiento que en la acuarela clásica considera
incorrecto. Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer
efectos de trazo seco o de empaste. Igual que la acuarela su aglutinante es la
goma arábiga, aunque muchas témperas modernas contienen plástico.
Acrílico
La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que
los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola
vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son
resistentes a la misma. Se destaca especialmente por la rapidez del secado.
Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La
pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada
paralelamente en Alemania y Estados Unidos.
Pastel
La técnica
de la pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores
cuyos pigmentos en polvo están mezclados con la suficiente goma o resina para
que queden aglutinados y formen una pasta seca y compacta. La palabra pastel
deriva de la pasta que así se forma; esta pasta modela en la forma de una
barrita del grueso aproximado de un dedo que se usa directamente (sin necesidad
de pinceles ni espátulas, ni de disolvente alguno) sobre la superficie a
trabajar, como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje
de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo
suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies como
madera. Son colores fuertes y opacos, la mayor dificultad es la adhesión del
pigmento a la superficie a pintar, por lo que se suele usar al finalizar el
dibujo fijadores como el spray. El pastel generalmente se usa como el crayón o
el lápiz, su recurso expresivo más afín es la línea con la cual se puede formar
tramas, también suele usarse el polvo, que tiende a soltar la barra del pastel,
para aplicar el color.
Temple
La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua,
clara y yema de huevo y aceite. Conviene
primero hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta lograr una mezcla
homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta crear la emulsión o médium de la técnica al temple. La
proporción es de un huevo entero, más una parte igual de aceite, más una, dos o
tres partes de agua, dependiendo de la fluidez que se quiera alcanzar.
También se
puede agregar un poco de barniz (dammar) que reemplaza la parte de aceite de linaza, con este
procedimiento se logra mayor firmeza o agarre y un secado más rápido, sin
embargo el acabado es más impermeable a las nuevas veladuras. En lugar del agua
se puede emplear leche desnatada, látex de higuera o cera siempre con agua.
Una pintura al huevo bien hecha está
entre las formas de pintura más duraderas que ha inventado el hombre. Bajo la
suciedad y los barnices, muchas obras medievales al temple de huevo están tan
frescas y brillantes como cuando se pintaron. Normalmente las pinturas al
temple han cambiado menos en quinientos años que cuadros al óleo en treinta.
Tinta
La
presentación de la tinta, también llamada tinta china, es
generalmente líquida aunque también puede ser una barra muy sólida que se debe
moler y diluir para su uso. Se usa sobre papel y los colores de tinta más
utilizados son el negro y el sepia, aunque actualmente se usan muchos otros. La
tinta se aplica de varias maneras, por ejemplo con pluma o plumín, que son más
adecuados para dibujo o caligrafía y no para pinturas, las
diferentes puntas de plumilla se utilizan cargadas de tinta para hacer líneas y
con ellas dibujar o escribir. Otro recurso para aplicar la tinta es el pincel,
que se utiliza básicamente como la acuarela y que se llama aguada, pero la técnica milenaria llamada
caligrafía o escritura japonesa también está hecha con tinta y pincel sobre papel.
Fresco
A menudo el
término fresco se usa
incorrectamente para describir muchas formas de pintura mural. El verdadero
fresco son las técnicas pictóricas modernas, la técnica del fresco se basa en
un cambio químico. Los pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura,
se aplican sobre una argamasa reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma
de hidróxido de calcio. Debido al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se transforma en carbonato de calcio, de manera que el pigmento cristaliza en el seno de
la pared. Los procedentes para pintar al fresco son sencillos pero laboriosos y
consumen mucho tiempo. Esta técnica de pintura suele ser estable y de larga
duración, aunque se puede dañar por causas físicas, químicas o bacteriológicas,
la más frecuente es la humedad que consigue la alteración de los colores ante
la disolución del carbonato de calcio y el desarrollo del moho. .
MATERIALES
Soportes
El soporte
cumple la función de ser el portador del fondo y de las capas de pintura. Los soportes son muy variados, los más tradicionales
son el papel, el cartón, la madera, el lienzo y los muros, a los que se puede añadir el metal, el vidrio, el plástico o el cuero entre otros. Todos necesitan de una
imprimación especial
según el procedimiento pictórico que se quiera seguir.
Tabla de madera
La tabla de
madera ha sido de los soportes más utilizados desde siempre, los artistas
egipcios ya pintaban sobre la madera de los sarcófagos y
especialmente en la Edad Media, los retablos o los
frontales de altar. Su imprimación es suficiente con una capa de cola o en caso
de tener que dorar con pan de oro, hay que
hacer otra preparación de colas, yeso y arcilla previas, y
también fue el principal soporte para la pintura de caballete europea hasta el siglo XV.
La madera
maciza empleada antiguamente se había de cubrir con tiras de tela de lino encoladas para disimular las
juntas, también a veces se cubría completamente con la tela, así se evitaban
posibles grietas posteriores. Se utilizan también el contrachapado y el conglomerado, tableros prefabricados que ofrecen la característica
de tener las superficies lisas y sin uniones, se encuentra el llamado táblex que además de ligero, tiene dos caras una lisa y otra
rugosa, se suele utilizar por la parte rugosa ya que la lisa necesita una
preparación para que la pintura se adhiera a ella correctamente.
Lienzo
Los lienzos
más usados son los provenientes de fibras vegetales como el cáñamo, el lino, el yute con tramado fino o el algodón, todos se
presentan con grano fino o grueso según el resultado que quiera el artista de
su trabajo, también hay soportes realizados con tejido de poliéster. Estos
lienzos se pueden adquirir a metros y montarlos sobre marco el propio pintor o
utilizar los que hay en el mercado de diferentes tipos y formatos. Existe una
numeración internacional para las medidas de largo y ancho de cada bastidor,
además tres formatos diferentes para cada número que corresponde a: figura,
paisaje y marina, el tamaño de un lado es siempre el mismo y el otro va
disminuyendo, naturalmente no hay que seguir esta regla, cada autor puede
realizar su obra libremente en la medida que más desee. La mayoría de lienzos
del mercado están preparados con aceite de linaza y tapa poros
y también existen preparaciones a base de emulsiones aptos para el óleo o el
acrílico, así se simplifica la preparación de imprimaciones para
diferentes tipos de pintura y se obtiene siempre el mismo resultado.
Papel
Se han
datado hallazgos de papel procedentes de China cerca del 200 a. C.. Se da como
inventor del papel al chino Caí Luan (50 a.
C.-121), eunuco imperial,
que mejoró la fórmula del papel, convirtiéndolo en una alternativa al papiro y al pergamino, los
soportes tradicionales para la escritura, gracias al
añadido de almidón que protegía las fibras vegetales. El soporte del papel es utilizado
en diversas técnicas pictóricas, las más corrientes son la acuarela, el
gouache, el pastel y la tinta china negra o en colores. Hay gran variedad de
texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista.
Existen tres tipos estándares:
- Papel prensado en caliente:
tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas consideran una
superficie demasiado resbaladiza para la acuarela.
- Papel prensado en frío: es
texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos.
- Papel áspero: con una
superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un efecto
moteado por las cavidades del papel.
El peso del
papel es la segunda consideración para su elección, ya que un papel más pesado
tiene menos tendencia a ondularse. Para evitar que el papel se ondula hay
tensarlo. El gramaje apropiado para la acuarela es entre 120 g/m² subasta 850
g/m².
Pinceles
Los pinceles, son un instrumento clásico y
efectivo que el pintor emplea en su trabajo. Los pinceles pueden variar en
tamaño, anchura, y calidad. Los materiales de los
componentes de los pinceles y brochas pueden ser orgánicos o sintéticos.
Pinceles
diversos.
El pincel consta de tres partes: el pelo, la
férula o virola y el mango. Se distinguen por el pelo y su forma, los planos y
los de «lengua de gato» suelen ser de pelo duro y los redondos de pelo fino.
Los pinceles los escogen los artistas según el trabajo a realizar y su forma de
tratar la pintura. Para preparar grandes superficies utilizan las brochas
grandes, el interior de las cuales está vacío para recoger una mayor cantidad
de pintura, otras brochas más pequeñas ya no tienen el vacío central. Las
cerdas de los pinceles suelen ser naturales provenientes de diferentes animales
(caballo, marta, cerdo etc.) o de crines artificiales. Los
pinceles, requieren ser tratadas con cuidado para así prolongar su vida útil;
esto incluye su limpieza continua. Una forma eficaz de mantener las cerdas de
los pinceles en buen estado, es quitar el excedente de pintura, limpiarlos con
disolvente y lavarlos con jabón, secar la humedad con una franela y guardarlos horizontalmente
o con las cerdas hacia arriba. Se utiliza también como medio para imprimir la
pintura rodillos de diferentes tamaños y materiales, como los de lana, goma-espuma o fibras, esponjas
naturales o artificiales y los cuchillos paleta y las espátulas metálicas
de hoja flexible en formas diversas sirven para unir diferentes colores y
también para pintar con ellas.
Fondos
En la
diversidad de soportes, se acostumbra a modificar antes de comenzar la pintura
en ellos, con un tratamiento de imprimación el fondo,
que alcanza una superficie pintada con el color y la textura deseada por el
artista. Solían hacerse por medio orgánico como el aceite o la cola, mezclado
con el color blanco o coloreado, estos medios adhesivos han sido las colas de
animales y de pescado, los secantes y las emulsiones de huevo, aceite o resina,
el color sólido solía ser la cal, la piedra pómez y la tierra
ocre. Esto
definía también el efecto visual de la obra finalizada. Este color en el fondo
del soporte, consigue en un blanco reflejar la luz a través de las capas de
pintura y si es un color oscuro tiende a rebajar el tono de la pintura.
LA ESCULTURA
DEFINICIONES.-
“Se llama escultura al arte de modelar el barro,
tallar en piedra, madera u otros materiales”.
“Es una de
las Bellas Artes en la cual
el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios”.
Para el
autor: “Es una inspiración y las manos son el medio para transformarla en una
verdad.”
HISTORIA DE LA ESCULTURA
Prehistoria
Los pueblos
de la prehistoria hicieron las primeras esculturas en arcilla representando
figuras humanas o de animales, las secaban al sol y se utilizaban,
probablemente, con finalidades religiosas o mágicas. A veces eran simples
amuletos o figuras votivas, que han sido encontradas en algunas civilizaciones
y culturas, en las sepulturas o en templos como exvotos. Entre los medios para rendir culto
a las personas que ya se habían ido de este mundo, cabe destacar los cráneos
humanos encontrados en Jericó (7000 a.
C.), convertidos en soporte para la reproducción, en yeso, del difunto como una
mascarilla, añadiéndoles conchas que representaban los ojos. Los egipcios,
creían que para que el faraón viviera después de su muerte, necesitaba una
imagen con su representación para favorecer la supervivencia del alma. De la
misma manera, se utilizaban símbolos con un fuerte sentido en la estructura y
la claridad del mensaje que se quería transmitir: la armonía y el orden debían
mantenerse, ya que cualquier desviación repercutía en la otra vida, la
jerarquía social se representaba, entre otras formas, con los diferentes
tamaños para diversos personajes, así el faraón siempre era la mayor figura,
tanto en las esculturas individuales que llegaban a ser monumental, como por
ejemplo, en las llamadas triadas de Micerino. la cabeza, de acuerdo con el Pontífice Máximum.
Edad Media
La escultura
románica (siglo XI-siglo XIII) estaba al servicio de la arquitectura y se encuentran muchos ejemplos en
torno a las grandes rutas de peregrinaje, como la
del Camino de Santiago. Los
escultores trataron diversas partes de las iglesias tímpanos, portadas y capiteles con
historias sobre temas bíblicos, con un
gran realismo. El Maiestas
Domini y el Juicio
Final fueron los temas iconográficos más
representados El material más empleado fue la madera, que era usada para la
elaboración de imágenes de devoción como las Vírgenes con Niño, muy
representadas por toda Cataluña y por el sur de Francia. Pero, la imagen más importante del
románico, fue el Cristo en Majestad, destacan el Voto Santo de Lucca, en la Catedral de Milán, y también
el Cristo de Mijaran y la Majestad
de Batlle en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.
La puerta de
la Catedral de Chartres, es uno de
los primeros ejemplos de escultura gótica, y en ella, entre otros personajes,
están representados animales fabulosos que dan forma a las gárgolas. En Alemania, tanto en el exterior como el
interior de la Catedral de Bamberg (siglo
XIII) se encuentran unas esculturas muy significativas, un buen ejemplo es la Estatua ecuestre del Caballero de Bamberg.
Una innovación son las esculturas sobre temas dramáticos, con escenas de la Pasión
de Cristo y la Piedad.
Edad Moderna
Los
historiadores de arte consideran que la escultura renacentista se inició con el
concurso para realizar las puertas del baptisterio, de la
ciudad de Florencia, al que se
presentaron Filipo Brunelleschi y Lorenzo Ghiberti. La nueva
forma artística del renacimiento se
inspiraba en la escultura de la antigüedad clásica, buscando una total
exaltación de la belleza. La matemática se
convirtió en su principal ayuda, con la aplicación en todas las artes de
determinados principios y leyes como, por ejemplo, la perspectiva. Surgieron grandes mecenas, como los Medici de Florencia, los papas de Roma, además de cardenales, príncipes y
también los gremios. En esta época la escultura prácticamente quedó desligada
de la arquitectura y los
personajes representados mostraban expresiones llenas de dramatismo, se puede
observar en esculturas de Miguel Ángel como, por ejemplo, el David. Durante las diferentes etapas del quattrocento y del cinquecento en Italia se realizaron las mejores obras del
renacimiento gracias a la actividad de grandes escultores como Donatello, Jacobo de la Quercia, Luca della Robbia, Andrea del Verrocchio y Miguel Ángel, el gran artista representativo.
Edad contemporánea
A partir del
siglo XIX los medios de comunicación tuvieron un papel cada vez más
importante en la difusión del arte en todo el mundo. Los estilos se
desarrollaban cada vez con más rapidez, ya fuera conviviendo, anteponiéndose o
enfrentándose entre ellos. La palabra vanguardia artística
se comenzó a emplear a finales del siglo XIX, y así se identificaba a los
artistas que promovían actividades que se consideraba que revolucionaban el
arte, con la intención de transformarlo. Se caracterizaban por la libertad de expresión y las
primeras tendencias vanguardistas fueron el cubismo y el futurismo. La escultura podía dejar de imitar
la realidad y valorar el vacío, los juegos de luz o el volumen en negativo, o
podía añadir movimiento con acciones mecánicas o con agentes atmosféricos. Cabe
destacar también el uso de nuevos materiales como el acero, el hierro, el
hormigón y los plásticos.
Durante el romanticismo el artista aspiraba a la
representación del entorno completo del hombre en la obra de arte total que
había imaginado el pintor alemán Philip Otto Rungue. Del impresionismo cabe destacar las esculturas de
bailarinas de Degas, en el que
refleja el instante gestual, o las obras de Auguste Renoir que
reprodujo en relieves sus propias pinturas. Pero quien realmente fue un
innovador fue Auguste Rodin el cual,
como los impresionistas, despreciaba la apariencia externa del acabado. El modernismo surgió entre el siglo XIX y el siglo XX.
En Cataluña, tuvo un gran auge, aunque fue en
la arquitectura donde más sobresalió, constituyó un movimiento que englobó
todas las artes y se realizaron esculturas tanto en monumentos públicos y
funerarios como aplicadas a la arquitectura, el italiano Medardo Rosso logró extraordinarios efectos
originales con sus figuras en yeso recubiertas
de cera.
Picasso exploró la
escultura cubista,
descomponiendo el volumen en planos geométricos, en algunas obras empleó
elementos como cuerda, alambre o madera
sin cortar.
GRANDES
REPRESENTANTES
Miguel Ángel
Nació en 1475 en un pequeño pueblo italiano llamando
Caprese. Muy pronto se trasladó con su familia a Florencia, una de las ciudades
más importantes de Italia. A los trece años, ingresó en el taller del pintor Ghirlandaio.
Un año después, comenzó
a frecuentar el jardín de los Medici, una especie de taller de
las artes, bajo la protección de Lorenzo el Magnífico, quien gobernaba
Florencia en aquel tiempo. Allí comenzó a estudiar escultura. Una de sus obras
más importantes fue El David; esta escultura de mármol mide 4,34 m. En un
principio estaba destinada para decorar la plaza della Signoria, en Florencia.
Hoy se encuentra en la Academia de Bellas Artes de esta ciudad, donde la están
restaurando.
En 1498, durante una estancia en Roma, Miguel
Ángel realizó su primera obra importante, la Pietà, una escultura de mármol que representa
a la Virgen con su hijo muerto en brazos. Tres años después, regresó a
Florencia y esculpió el David, una figura colosal, musculosa y en tensión.
Murió en 1564, con ochenta y nueve
años, dejando tras de sí una enorme obra como pintor, escultor, arquitecto e,
incluso, como poeta. Ejemplo de artista del renacimiento, su influencia fue
enorme para creadores posteriores, sobre todo, en los siglos XVI y XVII.
Filippo Brunelleschi
Santa María
del Fiore, este edificio, con planta de cruz latina, está coronado por una
cúpula a doble bóveda de Brunelleschi que fue finalizada en 1461 y mide 91
metros de altura y 45.5 metros de diámetro y está decorada con frescos que representan
el Juicio Final de Vassari y Zuccari en los años 1572-1579.
En esta
iglesia idea la renovación del modelo de basílica paleocristiana de tres naves
con columnas corintias en las que apoyan los arcos de medio punto, capillas
laterales entre los contrafuertes y cúpula pequeña en el crucero; la nave
central, cubierta con artesonado clásico, y las laterales, más bajas, con
bóvedas de casquete esférico.
En las
ventanas de la nave central vemos la característica ventana de Brunelleschi de
proporciones esbeltas rematando en arco de medio punto y arrancando
directamente de la cornisa.
La fachada,
no terminada, se organiza con tres arcos de medio punto de igual altura.
En la misma
basílica se construye también la Sacristía vieja, que debía servir de capilla
funeraria de los Médici; en ella aparece la cúpula dividida en segmentos,
recordando el tipo de bóveda gallonada medieval; asimismo en esta se emplea el
mármol colorido para fines decorativos y la misma representa una brillante
reinterpretación de la tradición.
TIPOS DE ESCULTURA
La escultura
se divide en dos grandes ramas, la estatuaria
y la escultura ornamental,
según represente la forma humana y exprese las concepciones suprasensibles del
hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres de la
naturaleza, animales o vegetales. La primera lleva con propiedad el nombre de
escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel secundario
al servir de auxiliar a la primera y a la arquitectura.
- Las estatuas son
las esculturas aisladas que representan una entidad específica
tridimensional. Según su presentación hay diversas formas de llamarlas:
bulto redondo; sedente o sentada; yacente estirada generalmente
representando la figura de un difunto; orante o arrodillada; oferente u
ofreciendo presentes y ecuestre o a caballo.
- Los relieves son las esculturas talladas a partir de un fondo
o unidas a él. Los tipos de relieve se dividen en la forma en la que se
reduce la profundidad de las figuras u ornamentación representadas: bajorrelieve cuando se talla recortando la
imagen en el fondo del material que le sirve de soporte y altorrelieve en la
que las formas escultóricas resaltan y salen del plano donde se tallan.
- Busto, son esculturas de la cabeza y
la parte superior del tórax que normalmente representa retratos.
- Torso, que representa el tronco humano sin cabeza, ni
brazos ni piernas.
- Criselefantina es el
término dado a un tipo de imagen de culto que tuvo un gran prestigio en la
Antigua Grecia. Las
estatuas criselefantinas se construían sobre una armadura de madera que
quedaba totalmente cubierta, por bloques tallados de marfil, representando la carne,
láminas de oro para
representar las vestiduras, la armadura, el pelo y otros detalles. En
algunos casos se usaba cristal, piedras preciosas y
semi-preciosas para detalles como los ojos, las joyas y las armas. Se
conocen ejemplos del II milenio a. C. de esculturas
hechas con marfil y oro.
- La escultura arquitectónica es
un término que se refiere a la utilización de la escultura por arquitectos y/o escultores en el
diseño y la construcción de un edificio, un puente, un mausoleo o cualquier otro monumento. La escultura está en general
relacionada con la estructura de la construcción. También se llama
escultura embutida cualquier estatua colocada en una obra arquitectónica.
- La escultura cinética implica aspectos de la física
de movimiento, como las fuentes o móviles.
MATERIALES
Los
materiales empleados en escultura determinan un resultado del aspecto y textura
de la obra con el que adquiere también diversas características. Con el uso de
una piedra blanda es más difícil un resultado minucioso, por su
desmoronamiento, con un material más duro como el granito, se requiere un mayor
esfuerzo físico. Los detalles de formas delicadas y con calados se consiguen
mejor con el uso de la madera, como lo demuestra, por ejemplo, los retablos
góticos. El trabajo en arcilla permite diversos acabados desde el más fino y pulido
a dejarlo con las señales propias de los dedos del artista. Finalmente es el
escultor y su propósito el que consigue sacar del material la forma y la
textura deseada.
Arcilla
Es uno de
los materiales más antiguos utilizados por el hombre, por ser fácil de modelar
y no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar simplemente
las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para después trabajar con otros
materiales o hacer reproducciones. Si es empleado como material definitivo debe
cocerse; en este caso recibe el nombre de terracota. Para la preparación del barro, los
procesos de industrialización han modificado y aligerado el trabajo manual de
prensado y desmenuzamiento de la arcilla. Se encuentran ya en el mercado
bloques preparados para el uso de los escultores.
Los tipos de
arcilla más comunes son:
- Arcilla natural: extraída donde
se ha formado. Se utiliza sin ningún añadido.
- Arcilla roja: normalmente
contiene hierro y es bastante suave, muy adecuada para el modelado en el torno y el efectuado con los dedos.
- Arcilla de bola: se utiliza
para dar plasticidad al unirse a otro tipo de arcilla, es de color muy
oscuro cerca del negro y se contrae bastante durante su cocción.
- Arcilla bentonita: es blanca y
muy fina con origen de cenizas volcánicas. Se utiliza para dar plasticidad
a otras arcillas.
- Arcilla refractaria: tiene una
fuerte resistencia al calor, hay bastantes variantes y acostumbran a ser
ásperas y granulosas.
- Arcilla de gres: tiene un color
gris, es de grano fino y soporta altas temperaturas para su cocción.
Piedra
Este
material es usado desde muy antiguo por encontrarse abundantemente en la
naturaleza. Para trabajar la piedra se necesitan herramientas especiales. La
piedra fue empleada en las Venus paleolíticas, en
estatuas griegas y las posteriores copias romanes, las obras de grandes
escultores de la renacimiento como Michelangelo, Donatello o Bernini y es
utilizada desde hace mucho tiempo en monumentos públicos, prácticamente en
todos los países..
Las piedras
más comunes en la escultura son:
- Piedra caliza: roca
sedimentaria blanda y fácil de trabajar; se emplea en labores minuciosas.
Su conservación depende mucho de la calidad de las canteras. Se ha
utilizado mucho en escultura monumental, como la Gran Esfinge. La
piedra caliza fue una de las más empleadas en Egipto, la mayor parte del valle del Nilo está excavada en esta clase de
piedra y con la cantera de Tura es con
la que se realizó las estructuras de la necrópolis de Giza y la mayor parte de las
esculturas encontradas en ella.
- Mármol: piedra caliza metamórfica, de
grano fino y compacto. Su tratamiento de la superficie puede ser muy
variado, obteniendo distintas texturas, como tersura, morbidez, aspereza,
etc. Por ser un material bastante perdurable fue uno de los preferidos por
los grandes artistas de la Antigüedad y el renacimiento. El mármol blanco se impuso
desde la época clásica, ya que con un buen pulido puede alcanzar un
aspecto translúcido y con una gran brillantez y por ser una piedra que no
presenta grandes fisuras, por lo que el escultor puede esculpir con plena
libertad, ya que los golpes en una piedra que no sea compacta puede llegar
a producir una fractura en la piedra y obligar a cambiar el bloque de
mármol.
- Arenisca: roca sedimentaria muy fácil
de trabajar en cantera, con humedad natural; se emplea en labores
minuciosas. Tiene la particularidad de hacerse más dura y frágil con el
paso del tiempo. Se ha utilizado mucho en escultura de capiteles románicos. Es
muy porosa y normalmente no se puede pulir. Actualmente no se suele
emplear esta piedra en escultura.
- Alabastro: es un mineral de yeso (aljez), de color amarillento,
parecido al mármol a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero muy fácil
de trabajar. Ligeramente translúcido.
- Granito y diorita: son rocas ígneas mucho
más duras que el mármol y están formadas por enfriamiento de materiales
volcánicos fundidos. Su calidad es excelente una vez trabajado y pulido y
se encuentra en gran cantidad de colores. Ha sido muy usada desde la
escultura egipcia hasta nuestros días.
- Esteatita: es
una roca metamórfica formada por talco en gran proporción. De hecho
es un esquisto de
talco. Es muy blanda y fácil de tallar. Admite un buen pulido. Expuesta al
exterior se endurece con el tiempo. Al tacto se asemeja al jabón (de ahí el nombre en inglés "soap stone ".
- Cuarzo: se trata de un mineral de
gran dureza, difícil de trabajar. A pesar de lo cual hay ejemplos de
esculturas muy elaboradas, talladas en cuarzo.
- Jade: con este nombre se denominan
dos piedras la jadeíta y la nefrita ambas muy parecidas aunque con
el aspecto más orgánico la nefrita y más vidrioso la jadeíta. Tienen un
colorido que va desde el verde casi blanco hasta el verde muy oscuro casi
negro. Son minerales muy duros y por eso es muy dificultosa su talla, para
su pulido se utiliza actualmente el carborundo y el corindón con arena en mezcla acuosa.
Aunque los jades trabajados están datados desde hace más de cinco mil
años, en la China, Mesoamérica y Australia, ha sido en China donde se ha
desarrollado más.
Estuco
Es una pasta
conseguida a base de cal, polvo de
mármol, arena y cola de caseína. Se empleó ya en la antigüedad en
Grecia y Roma para hacer moldes. El arte islámico lo empleó tallándolo como adornos mocárabes que se
pueden ver en la Alhambra de Granada. En el renacimiento volvió a resurgir su aplicación
para vaciados de yeso del natural, es decir, sobre diversas partes del cuerpo
humano y para hacer mascarillas de los difuntos, que después, sus familiares
las guardaban como recuerdo. Pero quizá fue en el barroco donde más se utilizó, como motivo
decorativo en los techos de palacios.
Metal
Las planchas
de cobre, bronce, oro y plata se pueden utilizar en la técnica de
elaboración directa, que se trabaja con martillo, buriles o punzones. Con piezas
pequeñas o de bajorrelieves se usa el
repujado. Para la realización de una escultura exenta y en mayor tamaño se
utiliza un cuerpo duro normalmente de madera que se cubre con betún para la mejor adhesión de las
chapas que se fijan con clavos o con costuras por medio de hilos metálicos, hay
que ir golpeando el metal y para seguir el trabajo, hay que calentar las
láminas conseguido así elasticidad al metal. Después de esta primera parte, la
obra se retoca con los buriles y los punzones. Antiguamente estas esculturas se
realizaban mucho para su uso como relicarios, dejando el
interior vacío para la custodia de reliquias.
- Oro, junto con el
cobre fue
uno de los primeros metales utilizados por el hombre, por su belleza y
porque se puede trabajar fácilmente. Se han encontrado yacimientos
arqueológicos en, Troya y Micenas que demuestran que ya se usaba
en el neolítico. Los escitas trabajaron en una amplia variedad de materiales
pero donde se distinguieron más fue con el oro, en piezas de influencia
griega y con utilidad decorativa para adorno de sus caballos, vainas de
armas y objetos de joyería. Estas pequeñas esculturas, fueron realizadas
con gran precisión y muy detalladas.
- Bronce. El bronce, normalmente una
aleación de cobre y estaño, es el más utilizado para la fundición de modelos de escultura. Los bronces pobres, es
decir, los que contienen un alto porcentaje de cobre, pueden ser
trabajados en láminas y esculpidos en frío con el uso de cinceles, sin
embargo, las coladas aparecen bastante defectuosas. En cambio, las
aleaciones con mayor contenido de estaño o de zinc, cuando se funden tienen un
grado más importante de fluidez y son mucho más utilizadas en la
reproducción del molde; adhieren mejor a las caras internas y su
reproducción permite alcanzar los mínimos detalles. Normalmente, para la
finalización de las esculturas en bronce, se aplica una capa de pátina que
unifica el color.
- Hierro. Es uno de los metales que se
utiliza para hacer esculturas y que se trabaja por medio de diferentes
técnicas.
- Acero corten. Este tipo de acero está fabricado con una
composición química que hace posible que su oxidación quede
más protegida ante la corrosión atmosférica, por ello, muchos
artistas lo utilizan como uno de los materiales más adecuado para exponer
su obra a la intemperie. También se valora su característico color rojizo
anaranjado, que es el resultado de un alto contenido en cobre, cromo y níquel.
Madera
Es un
material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y buenos
resultados. Hay muchos tipos de madera y en función de su cualidad puede
dejarse la escultura en su color natural o por el contrario teñir con anilinas
al agua o alcohol, policromarse o
protegerla con goma laca. Las
maderas llamadas nobles suelen dejarse en su color natural, protegidas con una
cera neutra. Son el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras.
La madera se
corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación de invierno
cuando la savia está en las
raíces y de esta manera se consigue que esté bien seca y sin dar lugar a
descomposición de la materia. Los árboles presentan unos troncos con diámetros
más o menos limitados y eso obliga, a preparar piezas diferentes según las
necesidades de la obra. Habitualmente la madera se adquiere en tablones, que
previamente al encolado han de cortarse según la dimensión de la pieza a
realizar; para conseguir un bloque ancho de un mismo tablón han de colocarse
los diferentes trozos uno encima del otro en el mismo sentido que el tablón
original. A menudo, las esculturas de madera se aligeran haciendo un hueco su
interior.
La escultura
en madera policromada ha ocupado un lugar importante dentro de la imaginería
religiosa. Una vez tallada la pieza, se cubría con una capa de yeso, o bien con una tela fina sobre la
que se ponía yeso como preparación y se pintaba con colores al temple o al
óleo, a veces dorándolas con hojas de pan de oro.
Marfil
El marfil se
obtiene de los colmillos de varios
animales, particularmente de los elefantes. Se ha
trabajado en todos los países, principalmente de África, Japón, China, India, el área mediterránea y la Europa
continental. El uso ornamental del tallado ya se producía en el Antiguo Egipto y Mesopotamia. Es fácil de cortar y si se quieren
obtener superficies planas se cortan los colmillos longitudinalmente y se
sumergen en una mezcla de aceite de almendras con vinagre, al absorber este
líquido se ablanda y puede modelarse ligeramente.
Tuvo un gran
desarrollo en la época románica en zonas de influencia carolingia. Los
trabajos en marfil se aplicaban en objetos litúrgicos, en
cubiertas de libros o placas para los frontales de los altares. Los olifantes eran
instrumentos de viento tallados con unas delicadas miniaturas y elaborados con
colmillos de elefante, que formaban parte de los utensilios de caza de los
caballeros durante la Edad Media. Se cree
que el crucifijo de don Fernando y doña
Sancha, fechado hacia el año 1063, fue el
primero realizado en Hispania que
contiene la representación de la imagen de Cristo.9 Son famosas
las tallas de marfil realizadas en Malinas, Rubens llegó a diseñar esculturas que
fueron talladas en este material por Lucas Faydherbe (Malinas, 1617-1697), que
trabajó durante tres años en el taller del pintor.
Hormigón
El uso del
hormigón en la escultura es relativamente nuevo y ha adquirido más importancia
a medida que ha aumentado su uso en las fachadas arquitectónicas de los
edificios. Sobre el hormigón se pueden conseguir texturas diferentes con el uso
de cinceles o limas. Es un material económico y permite su exposición al aire
libre. Henry Moore lo empleó
en varias obras. Se utiliza haciendo un vaciado sólido dentro de un molde de yeso empapado en agua, para evitar que
al poner la mezcla de hormigón, chupe el agua que esta mezcla lleva. Es
conveniente que la masa del hormigón sea lo más compacta posible para que
mantenga su densidad homogénea y para evitar burbujas de aire al final. Se
pueden utilizar moldes realizados con cajones de madera previamente untados con
grasas o aceites.
Para la
realización de un vaciado, el molde de yeso debe aislarse con capas de goma laca. El hormigón debe ponerse en capas
y con trozos de fibra de vidrio adaptándolo
a la forma final de la escultura, y hay que dar dos o tres capas intercaladas.
También el
hormigón puede ser modelado sobre una carcasa realizada normalmente con varas
de acero dulce y una red metálica. Esta armadura
se cubre con una mezcla espesa de hormigón, reforzándola con fibra de vidrio. Cuando esta capa está casi seca se
modela sobre suyo, con otra masa más espesa de hormigón, hasta la finalización
de la obra.
TÉCNICAS
Los
escultores suelen preparar su obra construyendo un pequeño modelo de la figura,
de arcilla o yeso. Este modelo equivale al esbozo del pintor o plano del arquitecto. El procedimiento fundamental y el
más clásico es el esculpido, sirviéndose de escoplo, buril o cincel según las necesidades, incluso los
procedimientos de fundir y moldear requieren retoques de cincel en los
detalles. Además, se usan otras acciones como el modelado o vaciado, el
cincelado, el repujado, el embutido, el grabado y el estampado o troquelado. Es
interesante darse cuenta de lo poco que han cambiado con el paso del tiempo las
técnicas del modelado y la talla, en comparación con los cambios que se han
producido en otras técnicas de bellas artes. Sólo en el
siglo XX se empezaron a introducir nuevos
métodos de trabajo.
Esculpir, consiste en sacar partículas al bloque ya desbastado hasta obtener la
figura deseada. Antiguamente la talla se efectuaba con instrumentos de hierro,
que por su blandura se deterioraban pronto. En algunas esculturas aún se
observa la señal de punzones y cinceles. Actualmente, además de las
herramientas tradicionales, se utiliza el disco de diamante para la piedra y
los discos de widia para la
madera.
Para reproducir, la misma medida, las formas
del modelo sobre materiales como la piedra o madera se utiliza el método de
sacar puntos con la ayuda del puntómetro o «máquina de sacar puntos». Es un
artefacto con una combinación de varillas metálicas articuladas terminada en
una aguja de sección triangular afilada en punta, con el que se miden puntos
determinados en un modelo y se traspasa esta medida al material donde se hace
la escultura definitiva. La aguja se desplaza por una guía para buscar la
profundidad del punto y se fija con un tornillo.
Modelar. Es dar la forma deseada a una pasta, añadiendo o sacando porciones de la
masa.
Arcilla. Normalmente para el trabajo de las
esculturas en arcilla, muchas culturas utilizaron las mismas técnicas que para
la alfarería, con
rollos, placas o tubos de arcilla. También se ha utilizado la presión; la
arcilla húmeda se comprime en moldes de barro previamente cocidos. Esta técnica
fue empleada por los griegos ya en siglo III a. C., como se observa en unas figuras
conocidas con el nombre de Tanagra. La arcilla, una vez modelada y antes de su
cocción en el horno, debe mantenerse en contacto con el aire o en un ambiente
seco, para su desecación para que adquiera consistencia y evitar deformaciones.
Cera.- La cera se modela como material
auxiliar para la realización de bocetos, estos sirven al escultor ya sea como
guía para visualizar su obra final en otro material, o como matriz para el
vaciado posterior en bronce. Más recientemente se ha utilizado para la creación
de personajes que se exponen en numerosos museos de cera. A
nivel decorativo se hacen diversos objetos como imitaciones de frutas en cera.
Como en el modelado con arcilla las manos del artista son la primera
herramienta a tener en cuenta, pero puede ayudarse con espátulas, rascadores y
limas. La sustancia puede ser cera virgen de abeja o cera industrial que se
puede encontrar en el mercado con varias durezas. Para construir la base para
montar la cera es necesaria una armadura que puede ser desde un simple alambre
de cobre, para piezas pequeñas, hasta otras
más complicadas cuando la obra es de mayor envergadura.
Plastilina.- Se modela con las manos o
pequeñas espátulas, prácticamente igual que la cera, y sirve como boceto para
la obra escultórica. La plastilina encuentra también un lugar destacado en animación. Nick Park es un promotor de su uso, que ganó
dos premios Óscar con los
cortometrajes de Wallace y Gromit
(1992-1995).
Cera perdida.- El método de la cera perdida es el más
extendido para los metales como el bronce, el cual se cuela dentro del molde
en forma líquida y así llega a todos los rincones. Cuando se solidifica se
consigue una copia completamente fiel al modelo del molde. Históricamente se
conoce el uso de la fundición a la cera perdida ya en estatuas de gran tamaño
desde el siglo II en Egipto y Mesopotamia y su uso sistemático desde el siglo V
en Grecia. Desde entonces la escultura en bronce se ha realizado con este
método ya que permite la reutilización de los moldes y por tanto la
reproducción en serie de la escultura.
Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y también
formar bajo relieves con el cincel en una lámina metálica.
Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de martillo sobre algún molde
los relieves y los huecos necesarios para conseguir la forma que se pretende.
Estampar o troquelar es imprimir
sobre una lámina de metal o de pasta un cuño o troquel con las figuras en hueco
para que éstas resulten de relieve.
Soldadura eléctrica: la soldadura eléctrica se utiliza fundiendo un electrodo de hierro en las superficies que se desean
unir, por obra del paso de corriente eléctrica. Se caracteriza por efectuar una
unión sumamente sólida y rígida. Esto permite unir objetos de hierro diversos
(chatarra, piezas preformadas mediante el repujado o la forja, etc.).
Soldadura autógena: este tipo de soldadura permite generar una escultura
por aporte, técnica similar a la que se practica con arcilla. La fortaleza de
la soldadura es menor que aquella lograda por la soldadura eléctrica, pero
tiene la ventaja de permitir la creación de obras más plásticas
Embutir es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de metal precioso para
que a fuerza de golpes tome su forma y después, al retirar la chapa y unir sus
bordes, quede una estatua u objeto artístico hueco pero con apariencia maciza.
También se llama embutido e incrustado el resultado de introducir algunas
piezas en las aberturas o surcos practicados en otras.
Cemento
Se denomina cemento a un
conglomerante
formado a partir de una mezcla de caliza
y arcilla
calcinadas y posteriormente molidas, que tiene la propiedad de endurecer al
contacto con el agua. Mezclado con agregados pétreos (grava y arena) y agua, crea una
mezcla uniforme, maleable y plástica que fragua y se endurece, adquiriendo
consistencia pétrea, denominada hormigón (en España, parte de Sudamérica y el Caribe hispano)
o concreto (en México y parte de
Sudamérica). Su uso está muy generalizado en construcción
e ingeniería civil.
TIPOS DE CEMENTO
Se pueden establecer dos tipos básicos de cementos:
- de origen
arcilloso: obtenidos a partir de arcilla
y piedra caliza en proporción 1 a
4 aproximadamente;
- de origen
puzolánico: la puzolana del cemento puede
ser de origen orgánico o volcánico.
Desde el punto de vista químico se trata en general de una mezcla de
silicatos y aluminatos de calcio, obtenidos a través del cocido de calcáreo,
arcilla y arena. El material obtenido, molido muy finamente, una vez que se
mezcla con agua se
hidrata y solidifica progresivamente. Puesto que la composición química de los
cementos es compleja, se utilizan terminologías específicas para definir las
composiciones.
En arte se utiliza el cemento como un material modelable que sirve para realizar esculturas y murales de varias
dimensiones; a la vez es un material de fácil acceso económico el cual se puede
mezclar con otros materiales como son: marmolina, arena lo que permite que las
obras a realizarse con dicho material, tengan mayor durabilidad ante la
intemperie que pueda suscitarse.
LA CREACIÓN DEL HOMBRE
Habiéndose descubierto en el medio de un
universo maravilloso y siendo del más alto orden de las criaturas físicas, el
hombre, naturalmente, buscaría la forma de entender su propio origen tanto como
el origen de todas las cosas existentes. Dado que la Naturaleza no revela la
creación del hombre y la tradición no sería una fuente digna de confianza en la
información, es razonable esperar que Dios revelara los hechos esenciales
acerca de la creación del hombre en la Biblia. En los primeros capítulos del
Génesis, y donde se quiera en la Biblia, la creación del hombre se enseña
claramente en la Escritura.
A causa de que el origen del hombre es un
asunto natural para la investigación y especulación, aquellos que han tratado
de contestar la pregunta aparte de la Escritura han hecho numerosas tentativas
para explicar el origen del hombre. Estos hechos conflictivos demuestran que el
hombre no tiene información cierta acerca de su origen a no ser la que la
Biblia le pueda dar, y sólo en la Escritura uno puede esperar encontrar un
relato completo y exacto.
Uno de los puntos de vista más comunes que se
han levantado en contradicción con la doctrina de la creación del hombre
revelada en la Biblia es la teoría de la evolución. Esta teoría es que de
alguna manera llegó a la existencia siendo una célula viviente y de esta célula
viviente el hombre evolucionó por un proceso de selección natural. La evolución
intenta explicar todas las complicadas formas de vida en este mundo por este proceso
natural.
De acuerdo a la teoría de la evolución, todas
las plantas, animales y el hombre fueron formados por un proceso de pequeños
cambios llevados a cabo por mutaciones, las cuales se creen que explican todas
las especies. Sin embargo, las mutaciones son casi invariablemente dañinas más
que beneficiosas, y nunca se han observado series de mutaciones que sean
beneficiosas o que hayan producido una nueva especie. De acuerdo con esto,
mientras que el registro bíblico reconoce que puede haber variaciones dentro de
las especies, declara que Dios creó los animales «según su especie»
En contraste con los animales, el hombre fue
hecho a la imagen y semejanza de Dios (1:26-27). Aunque muchos adeptos a la
evolución admiten que es sólo una teoría y los fósiles revelan que no ha habido
evolución sistemática de las formas más bajas de vida a las formas más altas,
la evolución se constituye en la única explicación que el hombre natural ha sido
capaz de ofrecer en contradicción a la doctrina bíblica de la creación; está
basada claramente en un concepto naturalistico, más bien que en el origen
sobrenatural del hombre.
De igual manera, la teoría de la así llamada
evolución teísta -que Dios usó la evolución como un método- para ser sostenida
depende de una negación del significado literal de la narración de la creación
en las sagradas escrituras.
La doctrina de la creación del hombre está
enseñada claramente en la Escritura
Como se presenta en Génesis, el hombre es la
máxima obra de Dios en la creación, y se declara que toda la creación tuvo
lugar en seis días. Entre aquellos que aceptan la " Biblia como la obra
inspirada de Dios se han dado diferentes explicaciones a estos días de la creación.
Algunos ven la narración de Génesis 1 como una re-creación siguiendo una
primera creación, la cual fue juzgada y destruida en conexión con la caída de
Satanás y los ángeles caídos. Esto nos daría la evidencia de que el mundo
inorgánico existía mucho antes de la creación descrita en los seis días de
Génesis 1-2.
La afirmación, registrada y transmitida por los sumerios, de que el Hombre fue creado por los nefilim, parece entrar en conflicto, a primera vista, tanto con la teoría de la evolución como con los dogmas judeo-cristianos basados en la Biblia.
Pero, de hecho, la información contenida en los
textos sumerios y sólo esa información-puede afirmar tanto la validez de la
teoría de la evolución como la verdad del relato bíblico, y demostrar que, en
realidad, no existe conflicto alguno entre ambas.
Pero, en cuanto la deidad bíblica (al igual que
los dioses de los relatos sumerios) creó al Hombre, plantó un jardín y puso al
Hombre a trabajar en él:
Y el Señor Dios tomó al Hombre
y lo puso en el Jardín del Edén
para que lo labrase y cuidase.
y lo puso en el Jardín del Edén
para que lo labrase y cuidase.
¿De quiénes está hablando no la singular, sino
la plural deidad, y quiénes eran esos nosotros en cuya plural imagen y plural
semejanza había que hacer al Hombre? El libro del Génesis no nos da la
respuesta. Después, cuando Adán y Eva comieron del fruto del Árbol del
Conocimiento, Elohim hace una advertencia a los mismos colegas anónimos: «He
aquí que el Hombre ha venido a ser como uno de nosotros, en cuanto a conocer el
bien y el mal».
El Antiguo Testamento se esfuerza por dejar claro que el Hombre no era un dios ni era de los cielos. Los Cielos son los Cielos del Señor, a la Humanidad la Tierra Él le ha dado». El nuevo ser fue llamado el Adán porque fue creado del adama, de la tierra, del suelo de la Tierra. En otras palabras, el Adán era el Terrestre.
Careciendo sólo de cierto «conocimiento», así como de un período de vida divino, el Adán fue creado en todos los demás aspectos a imagen y semejanza de su Creador. El uso de ambos términos en el texto se hizo para no dejar duda de que el Hombre era similar a los Dios (es) tanto en lo físico como en lo emocional, en lo externo y en lo interno.
En todas las antiguas representaciones artísticas de dioses y hombres, la semejanza física es evidente. Aunque la advertencia bíblica en contra de la adoración de imágenes paganas diera pie a la idea de que el Dios hebreo no tenía imagen ni semejanza, el Génesis, al igual que otros informes bíblicos, atestigua todo lo contrario. El Dios de los antiguos hebreos se podía ver cara a cara, se podía luchar con él, se le podía escuchar y hablar; tenía cabeza y pies, manos y dedos, incluso cintura. El Dios bíblico y sus emisarios parecían hombres y actuaban como hombres, porque los hombres fueron creados a semejanza de los dioses y actuaban como los dioses.
El mundo occidental hacía tiempo que estaba
entregado a la idea de que, creado deliberadamente, el Hombre había sido puesto
en la Tierra para someterla y ejercer su dominio sobre todas las demás
criaturas. Después, en
noviembre de 1859, un naturalista inglés llamado Charles Darwin publicó un tratado llamado On the Origin of Species by
Means of Natural Selection, or the Preservation of Favou-red Races in the
Struggle for Life. Resumiendo cerca de treinta años
de investigación, el libro añadía, a los conceptos previos sobre la evolución
natural, la idea de una selección natural como consecuencia de la lucha de
todas las especies -tanto de plantas como de animales- por la existencia.
El terrible bombazo de Darwin consistió en la
conclusión de que todos los seres vivos -incluido el Hombre- eran producto de
la evolución. El Hombre, en contra de la creencia sostenida entonces, no había
sido generado espontáneamente.
La reacción inicial de la Iglesia fue violenta. Pero, a medida que los hechos científicos concernientes a la verdadera edad de la Tierra, la evolución, la genética y otros estudios biológicos y antropológicos salían a la luz, las críticas de la Iglesia iban enmudeciendo. Parecía que, al final, las mismísimas palabras del Antiguo Testamento hacían indefendible el relato del Antiguo Testamento; pues, ¿cómo iba a decir un Dios que no tiene cuerpo y que está universalmente solo: «Hagamos al Hombre a nuestra imagen, como semejanza nuestra?
Pero, realmente, ¿no somos más que «simios desnudos»? ¿Es que el mono no está más allá de la distancia de un brazo, evolutivamente hablando? ¿Es que la musaraña arborícola es un ser humano que aún no se pone de pie ni ha perdido la cola?
CAPITULO III
METODOLOGIA
DEL TRABAJO
Para la
elaboración del presente el autor necesitara de los conocimientos técnicos,
teorico-practicos y metodológicos; producto de un arduo aprendizaje académico,
así por ejemplo:
El método histórico el mismo que se empleara para
conocer la historia, evolución y la situación problemática actual del hombre;
para esto el método bibliográfico, servirá de gran ayuda para la información
real de los acontecimientos transcurridos en el pasado, y de verificación de
tales actos, los cuales permitirán conocer más de lo que ha sucedido, en
nuestro plantel en el proceso de su desarrollo,
el método deductivo se utilizará para dar a conocer información académico-practico dentro del campo de
las artes plásticas, también se optara
por utilizar la técnica de la observación, misma que servirá para constatar y
verificar el grado de conocimiento teórico-práctico de los estudiantes y
docentes del nivel tecnológico. Con el
método lógico se podrá evidenciar respuestas, criterios que tienen semejanza
con los hechos históricos que pertenecieron a la formación y fundación del
instituto, como también utilice el método sintético mediante el cual relacione
los hechos del pasado con los que están ocurriendo actualmente, la
investigación Cualitativa está dirigida al tema, para llegar a saber cuáles son
las características del problema, con sus respectivas causas, efectos y
conclusiones, consecuencia y solución; para llegar así a la evaluación del temas.
RECURSOS
RECURSOS
HUMANOS:
Estos recursos
conforman todas aquellas personas que están inmersas en la realización de este
proyecto de grado las mismas que me apoyaron con la iniciativa de seguir
adelante para lograr los objetivos planteados.
Autoridades del Instituto Tecnológico de Artes
Plásticas” Daniel Reyes”.
Docentes de la
misma institución.
Alumnado.
Personal
administrativo.
El
investigador.
RECURSOS
TECNICOS:
Estos vienen a ser todos los implementos que me
fueron útiles para obtener la información necesaria y poder estructurar paso a
paso el trabajo teórico que es parte de este proyecto de grado.
Computadora.
Copiadora.
Internet.
Cámara
fotográfica.
Revistas.
Entrevistas.
Encuestas.
RECURSOS
MATERIALES PARA LA ESCULTURA EN ALTO RELIEVE
.
MATERIALES
|
CANTIDAD
|
PRECIO ($)
|
Cemento
|
1qq.
|
7.00
|
Marmolina
|
3qq.
|
|
Hierro´
|
0/5qq.
|
25.00
|
Alambre
|
5 libras
|
5.00
|
RECURSOS
MATERIALES PARA LOS CUADROS PINTURA
MATERIALES
|
CANTIDAD
|
PRECIO
($)
|
Bastidores
|
3 (1.00 x 1.20 metros) c/u
|
30.00
|
Lienzo
|
4 metros
|
24.00
|
Tachuelas
|
1 caja
|
1.50
|
Pintura
satinada
|
2
galones
|
50.00
|
Gesso
Grumbacher
|
1 galón
|
90.00
|
Pinceles
tigre
|
4
|
20.60
|
Brochas
|
2
|
5.00
|
Oleo
blanco
|
4 ( 150 ml )
|
24.00
|
Oleo
amarillo primario
|
1 ( 150 ml )
|
8.00
|
Oleo
azul ultramar
|
1 (150 ml )
|
8.00
|
Oleo rojo
primario
|
1 ( 150 ml )
|
8.00
|
Oleo
negro
|
1 (150 ml )
|
8.00
|
Aguarrás
|
1 litro
|
5.00
|
Espátulas
|
2
|
20.00
|
